Michelangelo (1475-1564), discutablement un des créateurs les plus inspirés dans l'histoire de l'art et, avec le da Vinci de Leonardo, la force la plus efficace dans la Renaissance élevée italienne. Comme un sculpteur, un architecte, un peintre, et un poèt, il ont exercé une influence énorme sur ses contemporains et sur l'art occidental suivant en général.

Un florentin -- bien que mars né 6, 1475, dans le petit village de Caprese près d'Arezzo -- Michelangelo continués pour avoir un attachement profond à sa ville, à son art, et à sa culture durant toute sa longue vie. Il a dépensé la plupart de son âge adulte à Rome, utilisée par les papes; caractéristiquement, cependant, il a laissé les instructions qu'il soit enterré à Florence, et son corps a été placé là dans un monument fin dans l'église de Santa Croce.

La vie tôt à Florence

Le père de Michelangelo, un fonctionnaire florentin appelé Ludovico Buonarroti avec des raccordements à la famille régnante de Medici, a placé son fils 13-year-old dans l'atelier du peintre Domenico Ghirlandaio. Après environ deux ans, Michelangelo a étudié à l'école de sculpture dans les jardins de Medici et sous peu ensuite a été invité dans le ménage de Lorenzo De 'Medici, le magnifique. Là il a eu une occasion de converser avec le Medicis plus jeune, deux de qui plus tard est allé bien à des papes (Lion X et VII clément). Il est également devenu au courant des humanistes tels que Marsilio Ficino et le poèt Angelo Poliziano, qui étaient les visiteurs fréquents. Michelangelo a produit au moins deux sculptures en soulagement avant qu'il ait eu 16 ans, la bataille du Centaurs et le Madonna des escaliers (les deux 1489-92, maison Buonarroti, Florence), qui prouvent qu'il avait réalisé un modèle personnel à un âge très jeune.

Son patron Lorenzo est mort en 1492; deux ans après de Michelangelo se sont sauvés Florence, quand le Medici ont été temporairement expulsés. Il s'est établi pendant un certain temps à Bologna, où en 1494 et 1495 il a exécuté plusieurs statuettes de marbre pour l'Arca (Shrine) di San Domenico dans l'église de San Domenico.

Premier Séjour Romain

Michelangelo est alors allé à Rome, où il pouvait examiner beaucoup de statues et ruines classiques nouvellement non reliées à la terre. Il a bientôt produit sa première sculpture à grande échelle, l'au-dessus-vie-taille Bacchus (1496-98, Bargello, Florence). Un des quelques travaux de pagan plutôt que les thèmes chrétiens faits par le maître, il a rivalisé statuaire antique, la marque la plus élevée de l'admiration dans la Renaissance Rome.

Au temps à peu près identique, Michelangelo a également fait le Pietà de marbre (1498-1500), toujours dans son endroit original en Basilica de Saint Peter. Un des oeuvres d'art les plus célèbres, le Pietà a été probablement fini avant que Michelangelo ait eu 25 ans, et c'est le seul travail qu'il a jamais signé. Mary jeune est montrée assise majestueux, tenant le Christ mort à travers son recouvrement, un thème emprunté à l'art européen nordique. Au lieu d'indiquer la peine extrême, Mary est retenue, et son expression est une de la démission. Dans ce travail, Michelangelo récapitule les innovations sculptural de ses prédécesseurs 15th-century telles que Donatello, tout en déclenchant le nouveau monumentality du modèle élevé de la Renaissance du 16ème siècle.

Premier retour vers Florence

Le point élevé de modèle tôt de Michelangelo est (4,34 m/14.24 pi) le David de marbre colossal (Accademia, Florence), qu'il a produit entre 1501 et 1504, après renvoi à Florence. Le vieux héros de testament est dépeint par Michelangelo comme jeunesse nue de lithe, musculaire et alerte, examinant au loin la distance comme si classant vers le haut du Goliath ennemi, qu'il n'a pas encore rencontré. L'intensité ardente de l'expression faciale de David se nomme terribilità, un dispositif caractéristique de beaucoup des chiffres de Michelangelo et de sa propre personnalité. David, la sculpture la plus célèbre de Michelangelo, est devenu le symbole de Florence et à l'origine a été placé dans le della Signoria de Piazza devant le Palazzo Vecchio, l'hôtel de ville florentin. Avec cette statue Michelangelo prouvé à ses contemporains qu'il a non seulement surpassé tous les artistes modernes, mais avec également les Grecs et le Romans, par beauté formelle d'infusion avec l'expressiveness et la signification puissants.

Tandis que toujours occupé avec le David, Michelangelo a été donné une occasion de démontrer ses capacités en tant que peintre avec la commission d'un mural, la bataille de Cascina, destinée au dei Cinquecento de Sala du Palazzo Vecchio, vis-à-vis de la bataille de Leonardo d'Anghiari. Ni l'un ni l'autre artiste n'a porté sa tâche au delà de l'étape d'un dessin animé, un schéma préparatoire complet. Michelangelo a créé une série de nudité et a vêtu des figures d'une grande variété des poses et des positions qui sont un prélude à son prochain projet principal, le plafond de la chapelle de Sistine dans le Vatican.

Le Plafond De Chapelle De Sistine

Michelangelo a été rappelé à Rome par pape Jules II de 1505 pour deux commissions. Le plus important était pour les frescoes du plafond de chapelle de Sistine. Travaillant haut au-dessus du plancher de chapelle, se trouvant sur son dos sur l'échafaudage, Michelangelo a peint, entre 1508 et 1512, certaines des images imagées les plus fines de toute l'heure. Sur la chambre forte de la chapelle papal, il a conçu un système complexe de décoration qui a inclus neuf scènes du livre de la genèse, commençant par Dieu séparant la lumière de l'obscurité et incluant la création d'Adam, la création de la veille, de la tentation et de l'automne d'Adam et de veille, et de l'inondation. Ces récits centralement localisés sont entourés en alternant des images des prophètes et des sibyls sur les trônes de marbre, par d'autres vieux sujets de testament, et par les ancêtres du Christ.

Afin de se préparer à cet énorme travail, Michelangelo a dessiné la nombreuse figure études et dessins animés, concevant des points de figure dactylographie et pose. Ces images impressionnantes et puissantes, démontrant la compréhension de Michelangelo magistralement de l'anatomie et du mouvement humains, ont changé le cours de peindre dans l'ouest.

Le tombeau de Jules II

Avant l'attribution du plafond de Sistine en 1505, Michelangelo avait été commissionné par Jules II pour produire son tombeau, qui a été projeté pour être le plus magnifique des périodes chrétiennes. Il devait être situé dans le nouveau Basilica de la rue Peter, puis en construction. Michelangelo a été avec enthousiasme assorti en avant à ce projet provocant, qui était d'inclure plus de 40 figures, passant des mois dans les carrières pour obtenir le marbre nécessaire de Carrare. En raison d'un manque de support d'argent, cependant, le pape l'a commandé mettre de côté le projet de tombeau en faveur de peindre le plafond de Sistine.

Quand Michelangelo est allé de nouveau au travail sur le tombeau, il l'a remodelé sur une échelle beaucoup plus modeste. Néanmoins, Michelangelo en a fait de sa sculpture plus fine pour le tombeau de Jules, y compris le Moses (circa 1515), la figure centrale dans le monument beaucoup réduit maintenant situé dans l'église de Rome de San Pietro dans Vincoli. Le patriarche musculaire s'assied alertly dans une place peu profonde, tenant les comprimés des Dix commandements, sa longue barbe enlacerée dans des ses mains puissantes. Il examine au loin la distance comme si communiquant avec Dieu deux autres statues superbes, l'esclave attaché et l'esclave de mort (les deux c. 1510-13), auvent, Paris, démontrent l'approche de Michelangelo au découpage. Il a conçu de la figure comme étant emprisonné dans le bloc. En enlevant la pierre excessive, la forme a été libérée. Ici, comme cela est fréquemment le cas pour sa sculpture, Michelangelo à gauche les statues non finies (non-finito), l'une ou l'autre parce qu'il a été satisfait d'eux comme est, ou parce qu'il n'a plus projeté les employer.

La Bibliothèque De Laurentian

Le projet pour le tombeau de Jules a exigé la planification architecturale, mais l'activité de Michelangelo en tant qu'architecte a seulement commencé dans sérieux en 1519, par le plan pour le façade (non jamais exécuté) de l'église de San Lorenzo à Florence, où il a pris de nouveau la résidence. Dans le 1520s il a également conçu la bibliothèque de Laurentian et son hall d'entrée élégant touchant San Lorenzo, bien que ces structures aient été finies seulement des décennies plus tard. Michelangelo a pris comme point de départ l'articulation de mur de ses prédécesseurs florentins, mais il l'a infusée avec de la même énergie d'augmentation qui caractérise sa sculpture et peinture. Au lieu d'être obéissant aux pratiques grecques et romaines classiques, Michelangelo a employé des motifs? colonnes, pediments, et parenthèses? pour un but personnel et expressif. Michelangelo, un partisan de la faction républicaine, participé à la guerre 1527-29 contre le Medici et les fortifications florentines dirigées.

Les Tombeaux De Medici

Tout en résidant à Florence pour cette période prolongée, Michelangelo a également entrepris? entre 1519 et 1534? la commission des tombeaux de Medicis pour le nouveau Sacristy de San Lorenzo. Sa conception a réclamé deux grands tombeaux de mur se posant à travers la salle élevée et voûtée. Un a été prévu pour Lorenzo De 'Medici, duc d'Urbino; l'autre pour Giuliano De 'Medici, duc de Nemours. Les deux tombeaux complexes ont été conçus en tant que représentation vis-à-vis des types: le Lorenzo, la personnalité contemplative et introspective; le Giuliano, l'actif, extroverti un. Il a placé des personifications nus magnifiques d'aube et de crépuscule sous le Lorenzo, jour et nuit posés sous Giuliano; des dieux étendus de fleuve (non jamais exécutés) ont été projetés pour le fond. Le travail sur les tombeaux de Medici a continué longtemps après que Michelangelo soit allé de nouveau à Rome en 1534, bien qu'il ne soit jamais revenu à son ville indigène aimée.

Le Dernier Jugement

À Rome, en 1536, Michelangelo était au travail sur le dernier jugement pour le mur de changement de la chapelle de Sistine, qu'il a finie en 1541. Le plus grand fresco de la Renaissance, il dépeint le jour de jugement. Le Christ, avec une tape de tonnerre, met dans mouvement la séparation inévitable, avec monter sauvé du côté gauche la du le peinture et la descente damnée du côté droit dans un enfer de Dantesque. De même que sa coutume, Michelangelo a dépeint toutes les figures nudité, mais des draperies de prudish ont été ajoutés par un autre artiste (qui a été doublé l''culasse-fabricant ') une décennie plus tard, pendant que le climat culturel devenait plus conservateur. Michelangelo a peint sa propre image dans flayed la peau de la rue Bartholomew. Bien qu'il ait été également donné une autre commission de peinture, la décoration de la chapelle de Pauline dans le 1540s, ses énergies principales ont été orientées sur l'architecture pendant cette phase de sa vie.

Le Campidoglio

Dans 1538-39 plans il y avait en cours pour transformer des bâtiments entourant le Campidoglio (Capitol) sur la colline de Capitoline, le coeur civique et politique de la ville de Rome. Bien que le programme de Michelangelo n'ait pas été effectué jusqu'au 1550s en retard et n'ait pas été fini jusqu'au 17ème siècle, il a conçu le Campidoglio autour d'une forme ovale, avec la statue équestre en bronze antique célèbre de l'empereur romain Marcus Aurelius au centre. Pour le dei Conservatori de Palazzo il a apporté une nouvelle unité à la façade publique de bâtiment, pendant qu'il préservait le monumentality romain traditionnel.

Dôme de Basilique de rue Peter

L'accomplissement couronnant de Michaël Angelo en tant qu'architecte était son travail chez Basilica de rue Peter, où il a été fait à architecte en chef en 1546. Le bâtiment était construit selon les la prévisions de Donato Bramante, mais Michaël Angelo est finalement devenu responsable de l'extrémité d'autel du bâtiment sur l'extérieur et de la forme finale de son dôme. Les dernières années.

Ses dernières peintures étaient les frescoes de la chapelle de Pauline dans le Vatican, qui est toujours peu accessible au public. À la différence de ses autres frescoes, elles sont dans la normale de position pour la peinture narrative, sur un mur et pas particulièrement haut vers le haut. Elles traitent uniformément le drame spatial de profondeur et de récit d'une manière dont les apporte plus près d'autres peintures de l'âge qu'aux peintures précédentes de l'artiste.

Parmi les artistes Michaël Angelo est venu pour savoir et admirer était Titian, qui a visité Rome pendant la période de ce projet (1542-50), et les frescoes semblent trahir son influence en couleurs. La poésie de ses dernières années a également pris de nouvelles qualités. Les poésies, principalement sonnets, sont des rapports religieux très directs suggérant des prières. Elles ne sont plus très complexes dans la syntaxe et les idées. Il y a seulement deux sculptures en retard, que Michaël Angelo a faites pour se, tous les deux qui présentent le Christ mort étant pleurées, ni l'un ni l'autre un fini. Premier et le plus grand a été signifié pour son tombeau, et la figure du Joseph de deuil d'Arimathea (ou, probablement, de Nicodemus) est un autoportrait. Devenir mécontent avec cette sculpture, Michaël Angelo a cassé une des figures et a abandonné le travail. Ceci constitue toujours une autre variation sur le thème du manque de perfection fonctionnant par le travail de l'artiste. Sa dernière sculpture est également passée par plusieurs révisions sur le même bloc de pierre et dans son état actuel est dematerialized presque le croquis de deux figures le penchement ensemble. Michaël Angelo a certainement eu un sens puissant de sa propre imperfection, pourtant il était également averti de la qualité de son travail et fâché contre des patrons pour ne pas rencontrer ce qu'il a jugé pour être leurs engagements. Il est mort fév. 18, 1564. Évaluation et influence Pour le posterity Michaël Angelo prend toujours resté du petit groupe des artistes les plus exaltés, qui ont été sentis pour exprimer, comme Shakespeare ou Beethoven, l'expérience tragique de l'humanité avec la plus grande profondeur et la portée universelle. Contrairement à la grande renommée des travaux de l'artiste, leur influence visuelle sur l'art postérieur est relativement limitée. Ceci ne peut pas être expliqué par l'hésitation pour imiter un art simplement parce qu'il a semblé si grand, parce que des artistes comme Raphael étaient considérés également grand mais ont été employés comme sources à un degré beaucoup plus grand. Il peut être à la place que le type particulier d'expression s'est associé à Michaël Angelo, d'une splendeur presque cosmique, empêchait. L'influence limitée de son travail inclut quelques cas de la dépendance presque totale, l'artiste le plus doué qui a travaillé de cette façon étant da Volterra de Daniele. Autrement, Michaël Angelo a été traité comme un modèle pour des aspects limités spécifiques à lui travail. Au 17ème siècle il a été considéré comme suprême dans le schéma anatomique mais moins félicité pour de plus larges éléments de son art. Tandis que le Mannerists utilisait la compression spatiale vue dans quelques uns de ses frescoes, et plus tard les poses serpentines de sa sculpture de victoire, le 19th-century Auguste principal Rodin a exploité l'effet des blocs de marbre non finis. Certains maîtres 17th-century du baroque peut-être montrent la plus pleine référence à lui, mais dans les manières qui ont été transformées pour exclure n'importe quelle similitude littérale. Sans compter que Bernini, le peintre Rubens peut mieux montrer la rentabilité des créations de Michaël Angelo pour un plus défunt grand artiste.