c. 1890-92 (140 KBS); Huile sur la toile, 17 3/4 x 22 1/2 po; Musée d'Orsay, Paris

Le côté abstrait de l'art de Cézanne a été toujours donné le poids dû. Il a été d'une manière amusante souligné par Ambroise Vollard qui, après avoir reposé beaucoup de fois pour son portrait, a demandé comment il obtenait dessus. La réponse de Cézanne: ` je ne suis pas contrarié avec l'chemise-avant 'semblé pour proposer que l'élément humain ne soit pas entré dans ses calculs, cela qu'il a été simplement concerné par des plans et des gradations de couleur. D'autre part, ses plusieurs autoportraits donnent un sens remarquable de caractère et vers 1890 il y a d'autres signes de son intérêt pour l'aspect des êtres humains, comme par exemple cinq versions des joueurs de carte produits pendant cette période chez Aix. La version d'auvent, reproduite ici, avec deux joueurs (et une bouteille entre eux pour marquer le centre de composition symétriquement équilibrée) pourrait être regardée dessus dans l'abstrait en tant que rendu magnifique des formes pleines, donné leur aspect de structure par gradated des secteurs de la couleur légèrement appliquée. Mais les restes de fait que ce ne sont pas des abstractions mais des joueurs ruraux de carte en son Provence indigène. Par le veracity fin de son étude des avions faciaux ou par un certain sentiment de parenté avec les compatriotes pleins qu'il dépeignait, Cézanne les a faits vivent.

Une image des joueurs de carte de dix-septième-siècle du studio des frères Le Nain dans le musée à Aix et à son caractère rural a suggéré la première fois la série à Cézanne bien que les études rurales simples montrent également son intérêt pour le type essentiellement français et sa capacité de donner son essence. Ces images et le mardi.gras étrange de la même période (le clown et le harlequin aiment deux fantômes romantiques prenant la substance et se vantant dans une nouvelle ère, peut-être par leur strangeness laissant une impression plus profonde sur les artistes français après que par la technique seule) réalisent que l'équation de la forme et du contenu que Cézanne a tellement souvent déplorée il n'a pas atteint.

Des trois versions, la petite peinture dans l'auvent est le bout et assurément la meilleure; elle est la plus monumentale et également le plus raffiné. Les formes simples sont plus simples, mais les rapports sont plus changés. La conception extraordinaire du joueur gauche est le résultat d'une stabilisation et d'un détachement progressifs de cette figure meditating.

C'est l'image d'un contemplativeness pur sans pathos. Etant donné la symétrie des deux joueurs de carte regardant fixement leurs cartes, Cézanne a dû surmonter la rigidité et évidence de la paire mais préserver la pesanteur de leurs attitudes absorbées. Il est remarquable comment intéresser complètement est cette image parfaitement lisible, de la façon dont des riches dans des inventions efficaces couleur et forme.

Le problème: comment à l'image les figures comme naturellement symétriques, avec des rôles identiques -- chacun est l'autre associé dans une opposition convenue -- mais pour exprimer également la vie de leur separateness, sans descendre à l'épisode et affaiblir la qualité contemplative pure, si rare dans des peintures plus anciennes du jeu.

Il est accompli en partie par un décalage d'axe: la figure gauche est plus complètement dans l'image; son associé, plus encombrant, plus musculaire, est marginal -- mais curieusement aussi plus près à nous -- et prend plus de la table. Sa tête est pliée en avant; il plus intensément est concerné. Le premier homme est le joueur plus habituel, détendu et se refroidit, et sa longue forme colomnaire est contrastée avec le trait horizontal derrière lui. Les deux chapeaux, un avec le bord arqué, ferme et porté, l'autre avec le bord tourné-vers le haut et irrégulier, doux et battu, donnent cette différence du sentiment -- deux tonalités de méditation. Le joueur gauche a un esprit lumineux et un corps lent, la droite a un esprit plus lent et un corps ou un trempe plus animé. L'ancien bras commence très bas, ses membres sont détachés de la tête minuscule qui est attentive mais (il est éloigné du corps et est comme le chapeau sur la tête) l'autre non impatient a a hunched l'effet; s'il est prêt à jouer, il davantage est tendu en décidant. Les bras du premier sont parallèle, les autres bras convergent. La première tête est placée contre un paysage vague, la seconde contre une architecture des verticales, un plus rigide, serrant la forme qui mesure la inclination de son corps. Du long le visage homme est ombragé et s'est allumé avec les contrastes intérieurs qui soumettent la silhouette; l'autre est plus ouvert, plus entièrement donné. Le premier a les cartes légères, la deuxième, obscurité, et ses mains sont plus proches de nous. La nappe finit dans un angle droit stable à la gauche, sous une forme brusquement dirigée à la droite. La couleur est aussi une expression subtilement contrastée: la violette contre le jaune, mais toutes les deux a neutralisé; dans la figure gauche, veste violette, pantalon jaune; l'inverse dans la droite. Le dernier donc plus fortement est contrasté avec ses environnements en couleurs aussi bien que la forme. Mais ce contraste est croisé: la figure droite contre une chaise en pente, la figure inclinée contre un bord vertical.

La rigidité inhérente du thème est surmontée également par la vie remarquable de la surface. Il y a un beaux clignotement et jeu de petits contrastes, une sensibilité jamais-répondante sur chaque pouce de toile.
-- Meyer Schapiro